Sobre Tacones

De origen judio, nace en el Berlín de los años 20. Helmut Newton fue uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX. Crea un nuevo estilo propio en sus fotografías, que están repletas de glamour y seducción, donde predominan los desnudos femeninos y los tacones de aguja. Helmut Newton, ese niño que vio a su niñera, medio desnuda frente a un espejo, vistiéndose para una cita. Ese niño que realizó la primera fotografía de su vida, con su mente, y jamás olvidó esa imagen.

Integrado desde muy joven en el ambiente artístico que precedió a la llegada del nazismo, Newton se movió con soltura en el mundo del lujo y también en los sórdidos barrios de prostitutas de Berlín. En su memoría quedó grabada la imponente figura de Rote Erna, famosa dómina de aquellos días, armada con un látigo y calzada con estrechas y altas botas de cuero. Desde entonces el mundo sadomasoquista, trufado de lujo, presidió su obra, que pronto levantó polémica. Desde las filas feministas se le calificó de "pornógrafo, sexista y fascista".Frente a aquellos que le tachaban de misógino, Newton decía: "Amo a las mujeres. Son totalmente superiores a los hombres. Siempre me ha fascinado la mujer como baluarte". "Me pueden llamar como quieran, eso no ha cambiado mi estilo. Ciertamente las mujeres ocupan un lugar preponderante en mi obra, tanto en desnudos como en retratos, creo que sólo he hecho un desnudo masculino, el del actor Helmut Berger y también fotografías de mí mismo."

Sus poderosas mujeres, hieráticas, frías, pregonaban el voyeurismo del fotógrafo. "Odio a las mujeres sentimentales, las fotos sentimentales. Yo congelo la relación entre hombre y mujer. Casi siempre se trata de deseos, jamás de sentimientos. El hombre casi siempre es un accesorio que la mayoría de las veces asume una posición servil. La mujer siempre es dominante en mis fotos".

Su trabajo bajo comisión apareció regularmente en la crema y nata de las revistas internacionales de moda, como son Vogue, Elle, Marie Claire, Jardin des Modes, American Playboy, Nova y Queen. Además, hizo grandes reportajes fotográficos publicados en la revista alemana Stern y la estadunidense Life. Nada ha sido demasiado peligroso o atrevido para su lente. Pocos fotógrafos han producido una obra tan rica, variada y polémica como Helmut Newton.
Les guste o no, Helmut Newton aportó una nueva manera de concebir a la mujer, sobre todo a la mujer desnuda, porque a Newton le interesaba el cuerpo, renovar el concepto de cuerpo, y más allá, el concepto de "feminidad", pero sus aportaciones superan el marco de lo estrictamente fotográfico. Construyó un estilo propio que marcó en la fotografía del pasado siglo un universo donde un voyeur, instalado tras el objetivo, estableció unas reglas singulares del arte de mirar en materias tan manidas en el medio como el apartado iconográfico de la moda y el del desnudo femenino.

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Enlaces:
Galería de fotografías

Entrevista a Helmut Newton

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Michael 'Nick' Nichols: El Indiana Jones de la fotografía

Michael Nichols es un galardonado fotógrafo cuyo trabajo lo ha llevado a los más remotos rincones del mundo. Él se convirtió en un fotógrafo personal de la National Geographic Society en 1996.
Nichols ha fotografiado más de 20 historias para la revista National Geographic. Un reciente historia "Marfil guerra de las galaxias: El pasado en Zakouma Stand", generaron una increíble respuesta del público en la toma de conciencia y de financiación para proteger a los elefantes de Chad.

Nichols dedicó dos años a documentar la expedición Megatransect del consevacionista Mike Fay, en la que recorrieron 3219 kilómetros a pie desde lo más profundo de la jungla del Congo hasta la costa atlántica de Gabon, estudiando el último gran edén de África.
En el 2005, Nichols publicó bajo el sello National Geographic Books, The Last Place on Earth, un libro que contiene sus fotografías del Megatransect junto a las anotaciones de Fay. El trabajo de Nichols ha aparecido en ortos cinco libros, incluyendo Keepers of the Kingdom, un ensayo fotográfico sobre los cambios vividos en los zoológicos de los EE.UU., El año del tigre, que trata sobre los últimos tigres existentes, y Brutal Kinship, una mirada a la relación entre el hombre y los chimpancés con textos de Jane Goodall.

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Apodado como “El Indiana Jones de la Fotografía” por la revista Paris-Match, Nichols ha aparecido en Rolling Stone, Life, American Photographer y JPG entre otras muchas publicaciones. Ha sido galardonado cuatro veces con el primer premio de World Press Photo, así como en otros certámenes de la talla del Wildlife Photographer of the Year y Pictures of the Year. En 1982 el Overseas Press Club of America le otorgó el premio ”Above and beyond the call of duty”, un honor normalmente reservado a los fotógrafos de guerra.

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Nacido en 1952, Nichols comenzó su entrenamiento como fotógrafo cuando entró en la unidad de fotografía del ejército de los EE.UU. a principio de los 70. Más tarde estudiaría en la universidad de Alabama del Norte, donde conoció a su mentor, el fotógrafo de la revista Life, Charles Moore. Desde 1982 hasta 1995 formó parte de la agencia Magnum Photos. En la actualidad, Nichols vive en Sugar Hollow, Virginia, junto a su mujer, la artista Reba Peck.

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Web de Michael Nichols

Fotorealismo

Esta vez hacemos referencia no a uno, sino dos fotógrafos de actualidad con ciertas similitudes aunque cada uno con un estilo propio. El 1º es la canadiense Jill Greenberg, que con una iluminación muy cuidada y un peculiar procesado consigue unas fotografías impactantes, manejando de manera magistral el color.

El 2º es Dave Hill, fotógrafo nacido en 1979 en la ciudad de Orange, California y que actualmente reside en Los Angeles. Sus fotografías están cargadas de un gran realismo gracias al tratamiento de sus imágenes así como al manejo del color y la perspectiva. En su web encontraremos unos excelentes portfolios y además una sección llamada “Behind the scenes” donde encontraremos fotos y vídeos sobre los escenarios y las situaciones que envuelven sus fotografías.

David LaChapelle: El Fellini de la Fotografía

Es el maestro de la fantasía, la imaginación, el erotismo y el surrealismo. Tras 20 años fotografiando a las grandes estrellas en situaciones imposibles edita un libro gigantesco que recopila lo mejor de toda su carrera y además se estrena como realizador de largometrajes.
Cuando Andy Warhol murió, las cosas se torcieron para David LaChapelle. Era 1987 y los nuevos editores de la revista Interview, en la que el chico de Connecticut que Warhol conoció en una fiesta había aprendido a hacer fotos, le echaron. Él dedicó dos años a trabajar los negativos de color hasta conseguir un vibrante espectro cromático que se convertiría en una de sus señas de identidad. Cuando volvió al negocio nadie quería ver su book. “La gente decía: ‘Está acabado’, ‘Ya no tiene 19 años”, recordaba LaChapelle en una entrevista concedida en 1996.
Hoy, 10 años después de esa entrevista y a casi 20 de su despido, pasados ya los 40, LaChapelle tiene una prueba más que evidente de cuánto se equivocaron los que le enterraron a los 25. Más de una, en realidad: 2.500, para ser exactos. Cada una viene en una caja de 35 por 50 centímetros y tiene 698 páginas y una firma suya. Cada una cuesta 1.500 euros. Cada una es un libro, Artists & prostitutes, edición limitada publicada por Taschen que recoge los mejores trabajos de su carrera entre 1985 y 2005. Una categoría que, tratándose de LaChapelle, significa las imágenes más circenses y provocativas que su imaginación ha ideado. Y que personajes tan mediáticos como Eminem, Madonna, Drew Barrymore o David Beckham se han prestado a interpretar.
“Mis fotografías son escapistas. Para mí la fotografía es fantasía”, afirmaba en 2001 LaChapelle en American Photo. Estrellas del porno, rockeros y modelos situados en un escenario artificial y artificioso que abraza con pasión los símbolos de la cultura pop y aquella parte de la realidad estadounidense que no encaja en las convenciones del buen gusto: centros comerciales, hamburguesas gigantes, autopistas anónimas. Y todo ello con la menor cantidad de ropa posible, por favor: Eminem, desnudo, sujetando un fálico cartucho de dinamita entre sus muslos; Amanda Lepore, su transexual favorita, esnifando diamantes; la rapera Lil’Kim, también desnuda y sólo cubierta por el logo Monogram de Vuitton, como si ella misma se hubiera convertido en un bolso… Reivindicar la vulgaridad y redimirla como belleza.
Una vocación por lo carnavalesco y lo delirante que le ha reportado una de sus más recurrentes etiquetas. El nuevo surrealista. El Fellini de la fotografía. El heredero del maestro francés Guy Bourdin (una de las pocas influencias confesas, junto a Helmut Newton y Diane Arbus, de un hombre que odia la nostalgia).

Enlaces

http://www.davidlachapelle.com/home.html
http://www.guyhepner.com/content/content.php?id=508

http://www.pdngallery.com/legends/archive/lachappelle/lachap1.html

Biografía

http://es.wikipedia.org/wiki/David_LaChapelle

Andrej Dragan: Maestro del Postprocesado

Este retratista, doctor en física cuántica y experto en manipulación digital, ya ha creado escuela, al grado de que por la red circulan recetas para obtener el “efecto Dragan”, que básicamente consiste en imprimirle un mayor dramatismo a los rasgos y expresiones del sujeto fotografiado.
"Algunas personas dicen que los buenos retratos revelan alguna verdad oculta del modelo retratado. Con tristeza, debo confesar que ese tipo de personas no encontrarán nada interesante en mis fotografías, simplemente porque no tienen ese propósito." Esta es la frase con la que Andrej Dragan se presenta en su página web. En ella, Dragan muestra una pequeña selección de su trabajo: unos retratos tan impactantes como diferentes. Utilizando en la mayoría de ellos focales cortas y apoyado en un fuerte postprocesado, Dragan realiza un juego de luces y sombras, colores, exageración de los detalles, realce de ojos, arrugas, venas, y, en general, cualquier textura que pueda aportar relieve a la expresión del escenario y sus personajes. Y todo acompañado de una elección de modelos para las fotografías difíciles de encontrar (en apariencia) en este planeta.
Su estilo ha creado una línea de trabajo en postprocesado denominada "draganización", en el que los admiradores de su obra buscan la obtención de resultados parecidos a los conseguidos por Dragan en sus retratos.
Como anécdota, parte de la izquierda española se escandalizó cuando Andrzej, dentro de una campaña publicitaria para la marca de tenis Converse, utilizó la famosa fotografía que le hizo Korda al Che Guevara, y este acabó teniendo cierto parecido con el pelele de José María Aznar.

Sitio Web de Andrej Dragan

40 años sin el Che

A 40 años de su muerte, las fotos que inmortalizaron la figura del Che.

http://www.fotografias.net/08-10-2007/noticias/a-40-anos-de-su-muerte-las-fotos-que-inmortalizaron-la-figura-del-che